El 8 de Marzo, Día Internacional de la Mujer presentamos 15 artistas que nos permiten contar la historia de otra manera.

Berthe Morisot

(1841-1895)

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Berthe Morisot  fue la primera mujer en unirse al movimiento Impresionista, tras ella llegarían nombres como Marie Bracquemond o Mary Cassatt. Nacida en una familia de la alta burguesía, fue educada en el mundo del arte y la música, disciplinas que supo combinar dentro de su papel de mujer moderna y animadora social. A la edad de 20 años, conoció a Camille Corot, importante paisajista de la Escuela de Barbizon, quien la admitió como su discípula y le introdujo en los círculos artísticos.

Fue modelo y amiga de Manet, además de su cuñada -se casó con su hermano Eugène- y tuvo un papel destacado en el desarrollo del Impresionismo francés exponiendo junto a artistas de la talla de Degas, Renoir, Monet.

Su obra Detrás del desayuno consiguió batir todos lo récord de las subastas de la famosa casa de apuestas londinense Christie’s, subastado por la cantidad de 11 millones de dólares.

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Camille Claudel

(1864-1943)

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Camille Claudel desde niña fue una apasionada de la escultura. En 1876 su familia se trasladó a Nogent-sur-Seine y allí conoció a Paul Dubois quien la introdujo en la Escuela Superior de Bellas Artes de París. En 1884 comienza a trabajar con Auguste Rodin, quien cayó rendido a sus pies como mujer, y como artista, convirtiéndose en su modelo y musa. Aunque se mueven en los mismos ambientes y hacen viajes de largos periodos de tiempo, Rodin está unido sentimentalmente a otra mujer, Rose Beuret, a quien se niega dejar. Situación que servirá de inspiración para las obras más importantes de la carrera de Camille como por ejemplo, La edad madura. Su fama llega a tal punto que es promocionada por varios artistas de la época, incluso apareciendo en varias revistas de arte.

La escultora comienza otra relación pero vuelve a tropezarse con la misma piedra, ya que su nuevo acompañante el compositor Claude Debussy está casado con otra mujer. Comienza aquí su declive con continuos episodios de crisis nerviosas que se agudizaron hasta el punto de encerrarse en su taller y destruir sus obras. Un final triste para una gran artista que acabó internada en un centro psiquiátrico durante los últimos 30 años de su vida.

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Sonia Delaunay

(1885-1979)

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Nacida en Ucrania, Sonia Delaunay-Terk fue criada por su tío, Henry Terk en San Petersburgo quien le ofreció una educación cosmopolita. A través de Max Liebermann tomó contacto con el mundo artístico germano y en 1903 se trasladó a Karlsruhe para comenzar sus estudios de pintura. Dos años más tarde continuaría su formación en París en la prestigiosa academia La Palette. En la capital francesa entró en contacto con la vanguardia artística y conoció a Robert Delaunay, con el que se casaría en 1910. A partir de entonces, el intercambio artístico entre Sonia y Robert Delaunay sería constante y juntos desarrollaron el orfismo (también conocido como simultaneísmo), corriente artística del arte abstracto que utiliza la luz y el color como medio de crear espacio y formas en un cuadro.

En el París de los años veinte tuvo una estrecha relación con los grupos dadaístas y surrealistas y colaboró con ellos en la producción de proyectos teatrales y cinematográficos como Le P’tit parigot de Le Somptier. Durante la década de 1930 estuvo en contacto con grupos artísticos que abogaban por la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré y fue uno de los miembros fundadores de Réalités Nouvelles en 1939.

Tras la muerte de su marido en 1941, Sonia Delaunay continuó trabajando y colaborando en la promoción del arte abstracto. En 1964, como consecuencia de la donación de obras suyas y de Robert, se convirtió en la primera mujer a la que se le honraba con una exposición en el Musée du Louvre.

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Natalia Goncharova

(1881-1962)

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Nacida en una familia de alta burguesía rural,  comenzó sus estudios en 1898 en la Escuela de arte, escultura y arquitectura de Moscú donde conoció a Mijail Lariónov, quien se convirtió en su compañero tanto sentimental como profesional. Sus obras se relacionaban con el arte icónico y el arte popular ruso, mientas que en otras comienza a despuntar su influencia por el futurismo y el cubismo, que evoluciona al rayonismo. Su obra fue bien acogida por el público aunque su estilo de vida, alejada de los convencionalismos sociales, siempre causó polémica.

Con su exposición Le Coq d’or de Diághilev dio el salto a Europa dándose a conocer como escenógrafa. Viajó junto a Diághilev y Lariónov a Italia, Suiza y España hasta asentarse en Francia donde su trabajo comenzó a ser más que fructífero aunque con la muerte de Diághilev comenzó su declive creativo. Pocos meses antes de su muerte el Arts Council de Londres realizó una exposición retrospectiva de la obra de la artista y su marido donde se reconocía su importancia dentro del panorama artístico ruso y europeo del s.XX.

Muy valorada en el mundo del arte su cuadro Flores alcanzó el precio de 10,8 millones de dólares.

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Liubov Popova

(1889 – 1924)

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Pintora rusa asociada a las vanguardias de la época revolucionaria (constructivismo soviético, suprematismo y cubofuturismo). Se distinguió por sus composiciones arquitectónicas, y entre sus principales influencias estuvo Kazimir Malévich.

Entre 1913-1915, pinta desnudos y retratos cubofuturistas (Desnudo cubista, 1913), una serie de naturalezas muertas con técnica de collage y uso del relieve, cartas pintadas y materiales diversos (Naturaleza muerta italiana, 1914). En 1916 comienza una reflexión sobre la presencia o ausencia del objeto, hacia la no-objetividad componiendo telas suprematistas, donde mezcla color, volúmenes y líneas (serie de Pictorales arquitectónicos, 1916-1921), donde formas geométricas se imbrican unas en otras y crean una organización de los elementos, no como medio de figuración, sino como construcciones autónomas.

En 1921, firma un manifiesto para el abandono de la pintura de caballete y declara que «la organización de los elementos de la producción artística debe volver a la puesta en forma de los elementos materiales de la vida, es decir, hacia la industria, hacia lo que llamamos la producción».

Bajo estos principios estéticos, y junto con Aleksandr Ródchenko, participa en la exposición 5×5=25 en Moscú.

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Frida Kahlo

(1907-1954)

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Pintora mexicana combina en su obra, de una manera muy personal, el surrealismo (ella nunca consideró su obra surrealista pues lo que ella pinta no procede de los sueños ni del inconsciente), el estilo naïf y folclórico.

La vida de Frida Kahlo  estuvo marcada por una enfermedad infantil y por un accidente en su juventud que le llevó a pasar por quirófano hasta 32 veces. Estuvo casada con el muralista mexicano Diego Rivera. Una existencia intensa y dura que queda reflejada en una obra pictórica autobiográfica llena de sufrimiento e influenciada por Rivera.

Aunque su obra fue admirada por varios artistas de la época fue después de su muerte cuando sus trabajos lograron una mayor trascendencia.

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Georgia O´Keeffe

(1887-1986)

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Georgia O´Keeffe es considerada una pionera de las artes visuales estadounidenses. Se formó Escuela de Arte del Instituto de Chicago y en Nueva York en el Art Student League donde conoció el arte europeo de Rodin y Matissey a su futuro esposo, el galerista y fotógrafo Alfred Stieglitz. Tras enseñar arte en la escuela pública de Amarillo (Texas)  se perfeccionó en Columbia University con Arthur Wesley Dow.

Hawái y sobre todo Mexico, país en el que al principio de manera intermitente y a partir de 1947 vivió de manera continuada hasta su muerte a los 98 años, tienen una importancia enorme en una obra en la que quiso dar vida y expresión visual a sus emociones a través de abstracciones basadas en la naturaleza

En 1962 fue elegida miembro de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras, en 1977 fue galardonada con la Medalla Presidencial de la Libertad y en 1985 ganó la Medalla Nacional de las Artes.

En noviembre de 2014, su obra de 1932 Jimson Weed/White Flower No. 1 fue vendida en $44 405 000.

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Jimson Weed/White Flower No. 1 

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Louise Bourgeois

(1911-2010)

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Escultora francesa-norteamericana considerada una de las artistas más importantes del arte contemporáneo, cruzándose con los principales movimientos vanguardistas del siglo XX como el surrealismo, el expresionismo abstracto y el posminimalismo. Sus esculturas de araña hechas en homenaje a su madre que era tejedora (así como la representación de la duplicidad de la naturaleza y la maternidad: la madre es protectora y depredadora al mismo tiempo), se han convertido en su seña de identidad. Precisamente, su obra Araña es considera una de las más valoradas en el mundo del arte femenino llegando a adjudicarse su venta por subasta en 10,7 millones de dólares.

Es reconocida como fundadora del Arte Confesional con unos trabajos catalogados como sugestivos de la figura humana, expresando temas como la traición, la ansiedad y la soledad. Una obra autobiográfica en donde su trauma en la infancia causado por el descubrimiento del amorío entre su padre y su niñera tienen una influencia muy grande.

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Esther Ferrer

(1937-)

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Artista interdisciplinar española, nacida en San Sebastián, con una obra centrada en el arte de la performance y considerada como una de las mejores artistas españolas de su generación.

En 1966, se unió al grupo de performance Zaj, creado por la propia Ferrer junto a los españoles Juan Hidalgo y Ramón Barce y el italiano Walter Marchetti. Zaj fue conocido por sus actuaciones conceptuales y radicales, muchas de ellas inspiradas en la idea y obra de John Cage.  El grupo fue disuelto en 1996 por Walter Marchetti.

Además la producción de Ferrer incluye objetos, fotografías y sistemas basados en series de números primos. Sylvie Ferré ha dicho de ella que: «El trabajo de Esther Ferrer se caracteriza por un minimalismo muy particular que integra rigor, humor, diversión y absurdo».

En 2008 se le concedió El Premio Nacional de Artes Plásticas de España y en 2014  El Premio Velázquez de Artes Plásticas.

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Zaha Hadid

(1950-2016)

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Mi licencia a otras disciplinas es Zaha Hadid, brillantísima arquitecta anglo-iraquí procedente de la corriente del deconstructivismo.

Nacida en Bagda (Irak) se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut antes de estudiar en la Architectural Association de Londres. Tras su graduación trabajó en el estudio de arquitectura Office for Metropolitan Architecture, con los que habían sido sus profesores, Rem Koolhaas y Elia Zenghelis para a partir de 1979, estableció su propio estudio en Londres.

Recibió premios tan destacados como el Mies van der Rohe (2003), el Premio Pritzker (2004) —fue la primera mujer que lo consiguió— y el Praemium Imperiale (2009).

Gran parte de su trabajo fue de carácter conceptual, pero en este post podéis encontrar algunas de sus obras más impactantes construidas.

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Ana Mendieta

(1948-1985)

Cubana exiliada en EE.UU, Ana Mendieta es una de las artistas hispanas más reconocidas dentro del Arte Contemporáneo.

Su obra está dedicada a desarrollar movimientos como la performance y el Body Art, tendencias que la llevaron a expresarse de formas no convencionales. A través de su cuerpo representó y creó obras con las que mostró su personalidad luchadora, reivindicativa y provocadora con un enfoque eminentemente feminista. Marcada por el exilio que le arrancó parte de sus raíces al separarla de sus padres y de su tierra, y la llegada en los sesenta a una población aún racista, Mendieta dedicó su producción a mirar críticamente la sociedad que le rodeaba para después gritar corporalmente el rechazo y el sufrimiento causado por temas como el racismo, la política, la violencia, la marginación y el exilio.

Su vida acabó trágicamente la edad de 36 años al caer desde la ventana de su apartamento, un suceso trágico que muchos achacaron y achacan al que era su marido, el artista Carl Andre. Un final fatídico y paradójico para lo que fue su vida, una constante lucha reivindicativa por la igualdad y la protección de la mujer.

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Diferentes obras de la serie “Silueta” (1973-1980)

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Yayoi Kusama

(1929-)

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Artista y escritora nacida en Japón en 1929 que en 1957 se instaló en Nueva York.

A lo largo de su carrera, ha trabajado con una gran variedad de medios incluyendo: pintura, collage, escultura, arte performance e instalaciones, la mayoría de los cuales exhiben su interés temático en la psicodelia, la repetición y los patrones.

Kusama es una precursora de los movimientos del arte pop, minimalismo y arte feminista e influyó a sus contemporáneos Andy Warhol y Claes Oldenburg. A pesar de haber sido olvidada después de que dejó la escena del arte neoyorquino a principios de la década de 1970, Kusama es reconocida actualmente como una de las artistas más importantes que haya salido de Japón y una voz muy importante del avant-garde.

Las obras de la artista japonesa son muy cotizadas mundialmente. En 2008, la casa de apuestas Christie’s vendió en Nueva York una obra de sus obras  por 5,1 millones de dólares.

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Cristina Iglesias

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Escultora y grabadora, Premio Nacional de Artes Plásticas y una de las artistas españolas más internacionales de las últimas décadas.

Cristina Iglesias se formó en escultura en la Chelsea School of Art en Londres, donde conoció a escultores como Juan Muñoz (posteriormente se convertiría en su marido) o Anish Kapoor. Una estancia en la capital británica —igual que su paso por Italia— que marcó su futuro como artista para alguien que deseaba trabajar en el espacio y el contexto. Al terminar en el Reino Unido, pudo acceder a una beca Fulbright para estudiar en la Escuela de Bellas Artes del prestigioso Pratt Institute de Nueva York (1988).

En su obra Iglesias emplea todo tipo de materiales como hormigón, acero, agua, cristal, bronce, bambú, hojarasca, …. y ella misma se considera influida por el constructivismo ruso, los bajorrelieves asirios que pudo contemplar en el Museo Británico, la arquitectura italiana del renacimiento además de calificarse como una escultora-constructora, atraída por la arquitectura.

Ganadora del Berliner Kunstpreis en 2012 en la modalidad de artes visuales, su obra se encuentra en lugares públicos de todo el mundo (Brasil, Dinamarca, España, Estados Unidos, Italia, México, Países Bajos y Reino Unido) y en museos como el MACBA (Barcelona), la Tate Gallery (Londres), el Reina Sofía (Madrid), el MoMA y el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York), la Fundaçión Serralves (Oporto), el Centro Georges Pompidou (París), o el Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas (Washington), entre otros.

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Helen Frankenthaler

(1928-2011) .

Helen Frankenthaler fue una artista expresionista abstracta influenciada por la obra de Jackson Pollock y Clement Greenberg, con quien también se involucró en el movimiento de arte abstracto.

Estudió en la Escuela Dalton y en el Bennington College de Vermont y su carrera se vio lanzada en 1952 con la exposición del cuadro Montañas y mar , una obra de gran tamaño (297,8 x 220 cm) que tiene el efecto de una acuarela, aunque fue pintado con óleo. En él, introduce la técnica de pintar directamente en un lienzo sin preparar de manera que el material absorbe los colores. Diluía mucho la pintura al óleo con trementina o queroseno de manera que el color empapase el lienzo eliminando en el proceso cualquier sesación de tridimensionalidad. Esta técnica, conocida como soak stain (mancha de empapado) inspiró el movimiento campos de color que fue seguido por artistas Morris Louis y Kenneth Noland, y resultó ser el movimiento precursor del minimalismo.

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Laurie Anderson

(1947-)

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Anderson es una cantante, violinista, poetisa, dibujante, compositora, directora de cine, y artista experimental de performance estadounidense cuya obra se extiende por el arte del performance , la música pop y proyectos multimedia en unos espectáculos en el que combina música, proyecciones y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna en su conjunto.

Formada inicialmente en el violín y la escultura,  Anderson llevó a cabo una variedad de proyectos de arte de performance en Nueva York durante la década de 1970, haciendo uso particular del lenguaje, la tecnología y las imágenes visuales. En 1981 su single O Superman  llegó  a ser segundo en las listas de éxitos del Reino Unido, dato bastante reseñable para alguien surgido de la vanguardia neoyorkina y que no realiza concesiones.

Pionera de la música electrónica  ha inventado varios dispositivos que utilizan en sus grabaciones y conciertos en directo como el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco,  el traje con sensores que disparan diversos sonidos de batería electrónica o bastón de la palabra, un largo bastón-como de seis pies (1,8 m) MIDI controlador que puede acceder y reproducir sonido.

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